什么是平面设计（Graphic Design）呢？“graphic”直接翻译的话是“绘画的”意思。但是也许将其称为“图”会更为准确。（引用：《设计中的设计》作者：原研哉）

想学习平面设计的学生中，很多机构都是以学生会用电脑设计软件为教学目标。在咨询中，很多学生一来就问，你们有没有教photoshop，而做好平面设计的实质并不是会用软件，即使软件的各种功能你都熟悉了，也不一定就可以做出像样的设计，多对比下好的设计师的作品。其绘画功底都是不差劲的。

所以具备一定的美术基础，美术审美能力才是关键所在。极典画室在成都美术培训行业中其文化特质，就是培训学生的手绘能力，原创能力为教学目标，提高学生鉴赏能力为前提，再来做设计。

因此，我们的学生群体中有很大一部分是，已经参与工作的设计师。设计师是一个需要不断提高的职业，主要有两个方面。

• 对“美”的感悟能力，获取新的灵感。防止麻木的机械式设计。
• 对文学修养的提高，一个好的设计师文字功底是必须的。

那么怎样才能保持对“美”的感悟能力呢？

保持涂鸦的习惯是一个很好的办法，一些小的平时练习，可能就是下一个你的好设计的基础。

保持阅读的习惯，无论是什么设计师，阅读都是获取知识的很好途径。文字是可以给自己的设计带来新的灵感的。

最后还需要放弃一些执念，一些常规的设计套路，刻意避开自己已有的便捷的设计方式。

以上几点，是我做设计十多年来的一些感悟，希望对大家有用。

1、UI设计师是什么？

不说UI设计师，就连设计师，很多人都以为只是P图的美工，这里有必要先明确一下UI设计师的概念。

维基百科对于UI定义：

UI，也即用户界面（User
Interface，简称UI，亦称使用者界面）是系统和用户之间进行交互和信息交换的媒介，它实现信息的内部形式与人类可以接受形式之间的转换。
因此，UI设计师也就是设计用户界面的人。

毫不夸张地说，在颜值当道的年代，UI设计师的水平，直接决定了互联网产品（网站、App、网上店铺等）的颜值。无论产品的质量怎样，用户接触产品的第一幕，就是UI设计师给产品设计的这张脸，而像我这种“颜狗”，一旦产品的颜值达不到我的标准，下一步就是关闭/卸载。

一个好的UI设计师，能润物于无声，在浑然天成的设计中为产品注入新的价值，绝不是普通的打杂美工。

2、UI设计师的基础修养

·设计总体认知

在进入一个未知的领域前，我总倾向于先梳理这个领域的架构，待有了比较全面认知后再深挖，这其实也是大学专业课程设置的思路，先学习一门导论课，了解基本概念，再进入细分领域。学习UI设计也是一样，先对整个设计专业有总体认知，再去学技法层面的内容、规则，慢慢把知识库填充完整，如果有条件，可以尝试了解一个新的互联网产品出炉的工作流程。这样，在局部学习前，就能对重难点、课程框架都心中有数。

·技术基础

如果说程序员一天中大部分时间都在码代码，那么设计师的时间都留给了Photoshop、Axure、Adobe Illustrator，涂涂修修确实是常态，而这里，也是“美工”称呼的发源地。娴熟的技法，是完美展现设计作品的必备条件，作为UI设计师，也应当熟练掌握这些常用软件。稍低一点的要求，是至少能精通其中一款软件，各种操作都已经形成自然反应，其他软件也能通个七八分。

不过，学完这些软件之后，切忌炫技，学到这步，你只是学会了修图，还只在美工的地步，并谈不上设计。

·画图基础

有人以为，设计师只要去图库网站找一些素材，借助工具进行修饰即可，其实这只能锻炼你的借鉴能力，当你的技法娴熟到一定程度，就可以尝试临摹。通过临摹，一则用来强化技法层面的能力，二来也能提升初学者的创新能力。

临摹的内容，可以有两方面选择：一种是系统自带的图标，比如Mac OX、Windows，或者移动端iOS、Android的原生图标，都是精心打磨过，既能帮助初学者了解平台设计规则，又能在临摹中逐渐巩固常用软件的技术。另一种则是行业牛人的设计作品，捉摸他们的设计风格、思想和细节，都能加深对设计的认识。

·各平台设计规则

iOS、Android、WP、Windows、Mac OX各个平台都有自己的设计规则和偏好，在移动端，连每款机型的分辨率、状态栏高度、导航栏高度、图标尺寸、字体、颜色值都有严格的规定。这里贴一个之前看到的iOS和Android的平台规范，整理的比较全面、规范：iOS和Android的app界面设计规范。其他平台的设计规则，在搜索引擎上也都能被检索到。

·理解能力

作为设计的上游，产品经理常常会直接发需求文档给设计，能读懂产品文档、快速分析需求，定位出风格、色调、元素，最后迅速把产品需求视觉化，就是产品经理们最爱合作的设计师了。

关于学美术有没有前途的问题，怎么回答才算负责呢？站在大多数培训机构的立场会回答：有前途啊！有人怎样怎样了，现在工资多少多少，学美术如何如何。殊不知，那是利益驱动让这些培训机构如此回答。一个有良心的培训机构，其实会根据具体某一个学生的自身情况作出主观判断，请注意为什么是主观判断呢？因为老师的经验本身就是主观的，如果哪位老师对某个学生做出信誓旦旦的结论，无论这个结论是褒还是贬，都不足以决定一个人的未来。因此这类的回答，学生只能借鉴，而不是盲信。那么反思，为什么学生喜欢提出这样的问题呢？因为学生在为自己行为找一个合理的解释，或者说是支撑。而我个人认为，当迷茫的时候，其实答案已经在自己心中，我们潜意识中其实已经有了选择，我们在询问周围的人对这件事的看法时，其实是在找最后一根稻草。那么为什么不在夜深人静的时候问问自己内心的想法呢？这时候做出的选择才是有勇气承担结果的选择。

教学中常常有学员问我：“老师，我朋友想学电脑数位板画CG人物和场景，他在犹豫是直接学数位板绘画还是先学真实纸笔的手绘。”一下简称电绘与手绘。
我本人是手绘和电绘都能画，下面说说我个人感受，请大家自己判断。
电绘是社会科学进步的产物。中国近十余年电脑、互联网的普及，插画、游戏、漫画等商业美术可以直接在网络上展示，同时也可以线下印刷喷绘，加之电脑上作图相对实际纸笔方便，所以有很大发展。

对我个人而言，电绘和手绘，讲究的作画步骤、原理其实相通的。例如草图线，图形意识，图形简化，构图，黑白灰关系，人物动态夸张，艺用人体解刨，色彩搭配，上色遵循光的素描关系等

但是对于初学者来说，我觉得入门最好还是选择手绘，因为手绘是一气呵成的，中途修改次数是有限的，而电绘可以无限修改。往往画面效果也许电绘可以更胜一筹，但是对于绘画习惯的培养，电绘不是一个好的选择。

数位板大大提高了画面的精细程度，但是却不能让画者体会到手绘的温度。看一幅手绘作品和一幅印刷品感受是不一样的。
有温度感的绘画训练都能让我们心情更愉悦，更好的促成对画笔的掌控和对效果的把握。事实上，电绘牛逼的大师，手绘能力都是很强悍的。
只要素描和色彩基础好了，再接触电绘就能更快上手并得到好效果。

第1，锻炼我们理解物体的形体、轮廓、明暗的思维。

比如看上面这张作品，在创作过程中我们要画出瓶子的明暗关系，物体间交汇的阴影，各物体的轮廓，前后景的景深，画布的褶皱方式等……而这都是有意识的思考后动手才能完成的结果，构成一幅平稳准确细节丰富的作品。

持续的绘画练习，除了排线这些硬性的技巧，同时就是在锻炼我们对画面的专业思考能力，观察和发现细节的习惯，而有这样的思维训练，在以后我们绘制图形、图标、拟物风格作品的时候才能快速抓到要点。

比如看上面这练习，就是因为缺乏这样的思维能力，所以各处细节都有明显的错误。比如上层圆弧和下方的完全不一致，冰淇淋的投影导致像插在蛋糕上的纸片，左侧流下的酱料已经没有受到光源直射了还和其它位置的高光使用一样的亮度。

这些细节的问题并不是来源于软件使用的不熟悉，而是做的时候在意识里压根没有这种概念，依葫芦画瓢也是有门槛的！所以很多人在拟物的练习上无论增加多少素材，也只是在错误的道路上越走越远。再看看另一张大家都看过的图：

成熟的作品，透视关系严谨，圆盘和纸张垂直并倾斜的角度自然，纸张螺旋的形状也合理。更细节的地方还包括边缘做旧的效果，是持续变化的，而没有这种美术思考能力的人只会画出一条生硬的曲线。底部的反光和地面带有橘红氛围色的处理也是亮点，更接近真实世界的通透感塑造，没有这种思考能力的人绝对想象不到的。

当通过绘画掌握美术的思考能力时，画拟物图标很快就会突破软件的限制，因为你会清楚知道每个步骤自己应该实现的是什么，然后查阅软件的功能去实现，每一次操作都是有的放矢！

第2，学会构图

还用上面那种那副静物素描的图来解释。学画画的人应该都知道，每次开始这种现实描摹时，我们要给静物凹造型，比如瓶子要在正中央还是右侧，苹果要放几个，堆到一起还是散开各地，下方的画布怎么给褶皱好看！这就是立体构成的实践操作~~

然后你需要把内容完整画进纸上，就需要在画布也做构图，是用居中还是三角，黄金三分还是螺旋，无论通过什么手段，最终都是找到一个你觉得好看的位置。而这个过程也是平面构成的实践操作。在未来如果学习摄影也会有良好的助力！

再说日常一点的，这种经验，会落地到以后你做主视觉和排版的能力。

第3，最经济的试错手段

纸和笔是我们最高效的试错工具！！！！！

牢记住上面那句话，任何其它方式都没有纸和笔有效率。当我们要画一套新的icon，新的主视觉、原型、分镜、字体，都没有可以媲美纸笔的形式（某些情况数码绘画也行）。比如下面的例子：

这是一个Mac OS上的APP的图标，在定稿前经历下方大量的手绘方案。形体和创意是在手绘过程中完成的，换成每次都实际用PS做出来，你们觉得需要消耗多少时间。

并且，画得越像，将需要表达的细节都考虑到，在电脑还原的操作过程效率也就越高，如果你只有小学生的手绘能力，这个手绘方案不仅无法代表最终结果，还可能在最终实现的过程里发现各种问题面目全非。

再者，去年现象级的腾讯营销方案，薛之谦的腾讯动漫H5活动，在前期也做了大量的方案制定。

相信我，这个阶段里面谁都不会想看见各种小学生级别的图像表达。

直接和我们核心工作挂钩的，还有绘制原型，这当然是画得越专业大家查看起来越舒适，何乐不为呢？

最后举个额外的例子，包括字体创作里，如果写不出一手好字或者懂得怎么绘制的字体设计师，是成不了大器的！比如左佐老师最近的新书里提供的手稿：

如果不会用平行笔、平头笔等专业书写工具，那么只会用PS钢笔的操作是远远不可能比手写更有效率的。

绘画学习提供专业的思考方式，观察细节的方法，具备美感的基本认知，并且让我们以这种形式可以进行的设计方案多样化的尝试。

这，才是我们学习绘画的最终目的。

1、一定要从最简单的几何石膏开画起，第一步掌握具体的轮廓，明暗关系。

2、然后画相对复杂的静物，重点理解物体的排版，还有更复杂立体结构表现，光和影更丰富的表现形式。

3、学结构素描去解构物体，掌握快速打稿的能力。而结构素描的基础比较脱离不开前面素描绘画的意识训练，对物体完整形体的认识越深刻，结构素描就越准确，这也是将来我们日常工作中可以被应用得最多的实际技能。

老实说，这个技能也同样适用未来要学习3D软件的情况，3D的建模水平和效率不止是让你们掌握各种操作工具，更重要的是意识，对物体立体结构的拆解组合意识。

4、可选项，学习速写。更适合经过一点简单的训练，然后经常在日常中随手练习，可以拓展出一些意想不到的效果。

那如果没预算又非常没时间的呢？

只要画好样结构素描和速写！你不需要一本正经的准备画板工具，每天只要有闲时，用水笔和笔记本就可以进行练习，画所有你们视线内可以解构的物体，杯子、电脑、手机、相机、台灯、糖果盒，顺便多看看网上的视频或者买点相关的技法书籍。

再次提示你们，学习绘画我们是通过动手的实践锻炼对应的思考能力。有时候画得不是太好没关系，重点是一直带着思考去学习，每一次实践都应该让你感觉到自己加深对物体的理解。

还有在这个过程中，由简到难的学习，也适合同时进行设计软件中的拟物图标设计训练，图形复杂度和自己的手绘阶段进行匹配，你们才可以更好吸收知识点，将美术思维模式转化到设计思考的过程里。

艺术院校留学规划

　　1.列出选校方案。

　　在选择申请院校的时候，要根据自己现有的艺术风格和自身条件，结合院校的教育方针、教授的风格和录取条件选择。

　　2.筛选个人的作品集。

　　根据各院校的不同要求，申请材料中作品集的选择、整理和准备是最重要的。TOEFL成绩、GPA等基本条件满足后，作品集是申请美国艺术学院的重中之重。不是同一个作品集可以申请所有的学校，有的院校要求学生有跨学科的能力，有的则要求术业有专攻，哪幅作品应该出现在申请材料中，以及编排的顺序如何，都会影响到申请的结果。

　　3.加强写作部分。

　　Artist Statement-创作自述，也是申请材料中非常重要的环节。如何给自己的作品找一个理论的落脚点对于美国艺术类院校的申请来说至关重要。这也是中国学生最薄弱的环节之一。英语的弱势只是一个方面，美国艺术教育以艺术史、哲学和心理学为辅的教学模式造就了每个美国本土的艺术类考生在申请的时候都有自己独特的创作理念。创意是通过作品集的表现和Artist Statement-创作自述的语言描述共同表达的，而创意几乎是每个艺术院校招生时共用一把标尺。如果拔高自己的作品集的理论高度，是申请成功的另一个重要因素。

　　4.关注留学费用。

　　美国有的公立大学的学费并不高。有的院校提供co-op的教育模式，一边上课，一边在设计公司和企业中实习，收入足以满足学费和生活费。也有很好的私立学校给所有入学的研究生全奖，包括学费全免和生活补贴，但学生要求每周20小时的教学或教研工作。虽然这样的院校凤毛麟角，如果专业优秀的学生，应该尝试去申请。

　　5.补救英语部分的不足。

　　有的学生专业条件很好，只是英语不过关。这在华恒办理的留学案例中并不少见。美国有个别的艺术院校提供有条件录取，可以到美国之后进行英语培训，考试合格，成绩达到上课的要求再正式开始上专业课。前提是其他所有资料都达到录取要求，专业成绩优良，英语有所欠缺的考生可以考虑此类院校。

　　学生就业前景好：

　　从目前的情况看，主要有三个就业方向：

　　1)回国就业，国内市场对艺术设计人才的需求正稳步上升，专业人才的身价也水涨船高，而且，就业范围较广，广告公司、设计公司、教育机构等对此都有一定的需求;

　　2)自由工作者，艺术类工作以创作为主，因此工作方式较为灵活，如今有越来越多的艺术人才青睐自由工作者的身份，在自由创作的同时又能养家糊口;

　　3)艺术经纪工作，文化经纪人、画廊经纪人、音乐经纪人、影视表演经纪人等，虽是新兴行当，但随着国内文化艺术市场逐步与国际接轨，有着相当宽广的发展空间。

　　美国设计类专业介绍

　　美国的艺术教育成就主要在现代艺术领域，拥有世界上最多的专业，美式教育一直被公认为注重应用和创新能力的培养，这与亚洲的教育方法理念不同。学校很注重为学生提供各类实习或工作机会，使学生始终保持与社会的紧密联系。

　　一般来说，美国大学的艺术类专业主要分为以下八大类：

　　陶艺(Ceramics)、美术设计(Graphic Design)、工业设计(Industrial Design)、多媒体/视觉通信(Multimedia / Visual Communication)、油画/素描(Painting / Drawing)、摄影(Photography)、版画复制(Printmaking)和雕塑(Sculpture)。

　　许多人都以为，艺术专业设有专业考试，留学门槛较高。其实不然，艺术类学生大多有一定的专业基础，参加专业考试，问题不大。而且，虽然顶级艺术类学校的专业对申请人语言能力的要求会更高一些，但如果学生作品集足够优秀，具有基本的沟通能力，完全可以鼓起勇气申请这类学校。申请时需要讲究方式方法。

一般美国学校录取学生标准：

　　1)学生在校期间的学习优异程度，比如成绩，班级排名，所选课程的难易程度;

　　2)学生本人的学习态度、学习热情、专业兴趣、学习能力及潜力;

　　3)学生的沟通能力、参与社会的能力、领导才能等;

　　4)学生的课外兴趣、个性特征、特别的经历;

　　5)选择该校的原因;

　　6)国际学生还需要有足够的英语能力;

　　7)艺术院校对学生的作品要求高于学术要求，如选择影视专业的学生要提供电影作品思路或脚本等。

　　申请基本要求:

　　1)成绩优良;

　　2)提高英语水平,参加相应的标准考试，申请本科要考TOEFL和SAT，申请硕士要考TOEFL和GRE/GMAT，对于艺术类院校，一般大部分只需参加TOEFL或IELTS即可，一般在综合排名院校里的艺术专业会出现对GRE有要求的情况，比如CMU。

　　3)做好详细的计划,比如在什么时候结束考试、什么时候搜集学校信息，制定申请学校名单、什么时候填写申请表、什么时候完成自述文章等;

　　4)充分酝酿申请的自述信,认真构思并把自己写好的文章给身边的人，尤其是让华恒的专业的老师检查，让他们给你提一些意见或建议;

　　5)有足够的资金准备：一般每年的费用在3-4万美元左右。

　　申请美国大学的艺术类专业，需要满足哪些条件：

　　1.要有艺术作品。这是申请美国大学艺术类专业最重要的部分，也就是说你申请某个艺术专业，要有这个专业相应的艺术作品。比如你想申请摄影专业，要有摄影作品，如果你的作品得过奖，当然对申请更有利;或者你想申请雕塑专业，你要把自己最为得意的雕塑作品寄给你想申请的学校。华恒留学提示申请时最好把你的艺术作品编成集寄过去，这样对申请会更有帮助。

　　2.大学成绩单和学士学位。申请人要提供大学本科成绩单(GPA)和学士学位。GPA最好不要低于2.7，以证明你在上学期间是一个学习不错的学生。另外，要有四年制的学士学位。

　　3.个人陈述(P.S.)和三封推荐信。个人陈述和申请其它专业的都差不多，推荐信要由教过你的教授或者专业人士来写，一般三封或四封。

　　4.标准化考试。申请美国大学的艺术类专业一般只需提供TOEFL成绩即可， GRE的成绩一般不需要(看具体学校的要求)，但是有GRE成绩当然更好。

      国外大多数艺术类高校，都要求申请者准备作品集。不同的国家，每个院校以及不同的专业，对作品集的要求也不一样。总体来说，国外院校主要通过作品集了解学生的独创思想，表现手法以及对生活社会和文化的独到见解，从而评估学生的资质。录取具有创新意识和艺术天赋的学生。作为申请者，如何向国外高校展示自己在美术方面的扎实功底和综合能力，都集中在作品集上，体现了你与众不同的思想和表现力。一个好的作品集必须能为自己说话，并且能和招生管有效的沟通。所以，对申请者来说，作品集就是艺术留学的关键，好的作品集是国外艺术院校大门的敲门砖。

     对于艺术和设计专业的学生来说，作品集是艺术留学的核心，大多的国外艺术院校都要求学生申请的时候提交作品集。作品集展现了学生的综合能力，是国外艺术院校录取申请者的重要依据，优秀的作品集还为学生赢得高额奖学金。作品集最总要的是创意，学生不要局限流派和画风，一定要坚持原创，展现自己真正想要表现的东西。也许你某方面比如素描或者色彩并不是特别好，国外院校并不看重这些，他们更看重你对艺术的独到见解、与众不同的创作风格、鲜明的创意和创新能力、设计技巧。他们也非常重视你的设计过程，设计思路，希望能看到你对专业理解的一些东西，比如灵感来源、草图、主题和论文，以及基本软件、设计、故事情节等技术运用。

确认明确的留学目标后，申请者首先要详细了解所申请的学校对作品集的要求，了解该学校的风格流派。虽然作品集是个人创新能力的展示，但也要符合所申请学校的要求和口味，入了考官的法眼申请成功的几率才大。知道他们注重什么，要知己知彼，才能百战百胜。 学生不要盲目的拿着平时的练习作品作为作品集，这样很难申请成功。作品集不是一蹴而就的，在学生拥有很好的美术基础上，还需要提前准备，长时间的思考、创作、整理以及再创作的过程，需要投入不少时间和精力去完成。最少有学生准备几个月，也有学生准备了一年。

     面对作品集的要求很高的国外院校，学生越早提前准备越好。希望学生通过自己的努力，并用艺术的形式展现自己的主题和想法，国外艺术院校的大门一定为你敞开。

近年来，随着中国经济的高速发展、中国国际地位的大幅度提升，国人有了更多看世界的机会。自然而然的，更多国人希望自己儿女去广阔世界增长见识、学习某些较先进的知识、经验。而在留学大潮中，就有不少准备出国学习美术相关专业的同学。

近年来涌现了不少做留学作品集的机构。我们极典画室也在其中独树一帜，帮助不少同学成功完成作品集并拿到目标学校的OFFER。

每一位到我们这里准备作品集的同学，我们会据其美术基础、个人特点、目标需求等为其制定相应计划。既然是美术类留学，自然要有相应美术基础，这是不可或缺的，再好的想法画不出来或者画的不好都会让作品集大大减分；而经过系统美术学习后，能更好表达自己想法的作品集自然更具竞争力。并且一旦拿到OFFER，进入学校，更好的美术基础也有助于顺利完成学业。除了美术基础之外，在此，我想重点提一下作品集的另一个关键所在——原创性。

所谓原创，无论文学还是艺术、亦或延伸到其他各领域，都要求作者必须有自己的灵感来源，作品的进化思路，是模仿与抄袭的反义。原创可以说是对某一领域已有参考物的怀疑与否定，在固有经典基础之上，呈现出破土而出的新生命气息。整个世界的进步，也常常是因为各个领域不断有杰出之士的创新而推动。所以，人的创造力，是这个世界最宝贵的财富之一。

西方历史进程中，文艺复兴、工业革命、计算机的发明等等太多例子都说明西方文明对于创造力的重视，也是几个世纪以来欧美领先世界的重要原因。

国外美术类院校招生，很看重学习态度、是否具备创新可塑性。通过作品集，要考察学生独立创意的思想、对生活与文化的独特见解和表现手法，往往录取有创新意识、创意灵感和艺术天赋的优秀学生。所以，“创意”是作品集中，美术基础外又一个不可或缺的重点，一定要展示真正原创的东西，要通过草图、步骤图以及文案说明等展示完整设计思路、独特设计理念、鲜明的个人风格，对所选专业的理解。

“你是不能把设计握在手里的，因为它不是一个实物，而是一个过程，一个系统，一种思维方式。”

—–鲍勃·吉尔（Bob Gill），《平面设计—我的第二语言》

作品集是用来展示我们自己的绘画、设计和视觉表达能力的资料。作品集不是简单的将我们的作品堆积，它也是一份设计，既从呈现的样式来说，也是从它实现的思维方式来说。接下来就从设计思维来说说作品集的制作。它符合常规设计流程，定义，调研，构思，打样，精选，实施和总结。

1.定义

确定问题所在，制定设计任务书。

我们要制作作品集来展示我们的能力，我们可以用“五W原则”来确定我们的目标。

1.1 目标

何人（who）

我们的目标受众是申请学校的面试官。他们在挑选符合所在学校要求的学员，继续学习深造。这里有个逻辑误区：既然是继续学习，那我画得不好，我设计得不好，可以在今后的学习中锻炼啊，为什么要我现在就要画好，我都设计得好了，我还到你们学校学习啥呢？孟子有句名言“得天下英才而教育之,三乐也”。大概能说出他们的想法。

何事（what）

他们是需要印刷品还是电子档（图片，视频，音频）。大多数学校需要我们上传电子档，并且对文档有一定要求。

比如“图片格式要求是JPG、PNG或GIF，分辨率为1024X786@72dpi”。JPG、PNG和GIF分别说的是图片的格式，这三种格式有各自特征和用处。（JPG为有损压缩图片格式，也就是说图片的压缩率是以损失图片质量带来的。由于体积小，它在万维网中被用来储存和传输照片的格式。也不要为是有损压缩就嫌弃它，试试不同压缩质量的对比图再说感受。对于一般观看，普通压缩率JPG是可以接受的，高压缩率才会明显损失细节。PNG是一种无损压缩格式，区别于JPG背景可被设定自定义，也就是它可以是透明背景或半透明。GIF是种古老的图片格式，1987年就有了。GIF也是无损压缩，但只有256色。不同的是它可以在一个文件中储存多幅图，连续播放这些图片可以制作简单的动画。）分辨率是说图片文件显示多少信息，这里的信息是电子档所储存的信息，不是图像的内容信息，以水平和垂直像素来衡量。1024X786@72dpi意思是水平向含有像素数为1024个，垂直方向像素数786个。dpi是指每英寸的像素，也就是扫描精度。国际上都是计算一平方英寸面积内像素的多少。dpi越小，扫描的清晰度越低，由于受网络传输速度的影响，web上使用的图片都是72dpi。

除了单张图片形式还有PDF文件格式，可以理解为一种打包格式，将我们图片文字，按照我们的排列顺序、大小和版式展示的打包文件。只要文件完整，不必担心观看者看到是不完整的或顺序混乱的作品集。

何时（when）

什么时候提交作品集，为项目制定时间表。通常完成作品集包含4个项目，所需10幅左右的原创作品。按照20小时一幅作品来算，从无到有至少200个小时的制作时间。接下来就要看如何分配了，每天8小时，需要接近一个月的时间。

何地（where）

设计被用于何处?（媒介，场所、国家）申请学校所在地的情况也是需要考虑进去的，比如对于一个环境非常开放的地方，可以多一些个性化的或带有争议东西。不要以为是搞艺术的都很开放，假如申请欧美院校，我们提交的作品集全是日韩动漫样的东西，多半就不太合适了。不是说日韩动漫就不好，不被欧美所接受，其实欧美人看日韩动漫也不在少数。关键是在作品集中也要体现出我们能够融入他们的社会中。打个比方两个来中国求学的外国人，一个始终保持着自己国家的传统习俗；另一个穿着、言行都于我们相同。你说哪一个更能融入校园生活，更容易参与老师、同学交流？展示出自己可以融入群体也是无害的表现。

为何（why）

他们为什么需要看作品集?看我们是否具备基本的能力，可以完成相应的学习。

1.2 预案

确定了任务目标后，就该能够提出一个关于作品集的预案。它可以描述大致的设计思路，价值观，和预期的设计结果。让我们来看两份案例。

这是一位准备申请欧洲产品设计专业方向的学生预案。

作品集分为基础和设计两部分。时间2个月。

基础的一方面注重线条和结构的表现，因为产品设计表现是给不会看设计图的人展示设计效果的，所以表现必须形象、准确。这就要求结构非常准确和线条流畅优美。基础的另一方面需要注重质感的表，要让观看者直观感受到物体的材质。设计方面是准备对生活用品再设计，比如自带筷架的筷子。注意收集过程资料。

①首先完成绘画基础部分的形状练习和线条练习，了解基本的透视表现法，并能为后期作品集收集素材，期间的一些速写稿可以作为平时练习展示加入作品集。②然后提升表现复杂度，通过几何简化，光影与质感表现完成一些相对完整的作品，并且将设计、绘画过程收集其中。③之后如果有时间可以完成一套绘画作品，它区别于注重产品表现的作品项目，让作品集内容丰富。

接下来是一位申请美国插画设计方向的学生的预案。

作品基础部分包括不同视角的写生和人像写生创作，设计部分来源自己的生活。时间一个月半。

①完成一些人像写生作品展示基础的造型能力，从中挑选出适合表现空灵、空虚的感受的形象并加以完善。②完成三组正常视角和特殊视角作品。每一组作品都是由1个正常视角和1个或几个特殊视角组成，形成一组有趣的对比，有趣来自不同的视角才生的戏剧化画面。在特殊视角绘画的时候会用到摄像工具辅助观察。特殊视角通常透视表现更夸张，进一步展示对透视原理更深入理解和运用。③设计一组扑克牌图案，图案优选有中国传统图案形式。④为自己或身边的人设计人物形象。设计卡通形象以剪贴的方式形成有趣独特的画面。

2.调研

收集有助于作品集内容的信息，也包括其他同学的作品集。

一方面收集前面确定目标的时候一些资料，如申请院校对作品集的要求（数量，载体，格式，提交方式）。另一方面收集作品集制作需要的资料，比如参考图片、材料工具等，这个在每个项目开始前都会有的过程。还有就是收集其他同学的作品集，可以了解完成度需要好高，自己能否达到。因为画对于不同的内容，要求完成度可以不一样的，在收集资料的时候，速写的形式就可以；但在具体表现的时候，是需要将结构画好才行，还是需要加入光影或色彩的表现。这就需要一个标准的，这些标准可以参考一些相关图册。

准备工作就绪，接下来就是漫长的作品集内容完成时期了。可以关注极典美术教育，随时了解画室动态。

今天把作品集自做需要了解和准备的部分介绍完了，下一次我们来看看关于设计的构思、改进、打样、实施和总结。