1、关于物体的明暗以及固有色相互影响，我们画石膏体的时候，因为石膏体的固有色是白色的，所以它的明暗很好去区分和表现。但是，在我画水彩的时候就会遇到这样的问题：比如说，物体的亮不部，他是的固有色，是极深的颜色，他的暗部包括反光以及阴影，反而是浅的颜色，那我应该怎么样用颜色去表现呢？
举个例子吧，我们画一个陶罐，陶罐它是有两种固有色组成的，一半是很深的黑色，另一半呢，是很浅的比如说米白色，但是在放置的时候，正好，他的深色部分，是向着光源的。而固有色的浅色部分呢，他是背着光源的，那我在画的时候包括阴影应该怎么画呢？

2、我知道一个物体，它的光源是冷光的话，那么他的亮部就应该偏冷，暗部包括明暗交界线、反光和阴影都应该偏暖，如果说它的光源是暖光的话啊，那么它的亮部就应该偏暖，而暗部和反光以及阴影都应该偏冷。但绘画的具体应用当中，就是会觉得很绕。把自己给绕进去的。
反之，光源暖光，与固有色的分布又相反，应该怎么办呢？同样，叶子也可能有这种情况。
上面两个问题都是疑问：固有色对明暗，以及固有色对冷暖他们两两之间的相互干扰，我不知道有没有第三种情况就是，物体的固有色，明暗以及冷暖，他们三者相互作用和干扰的情况发生。

3、我之前画的这个苹果和橙子除了也会遇到明暗和固有色以及冷暖的相互干扰外，还有一点就是：为了画出苹果和梨子的立体感，我会去卡它的明暗分界线，导致我画的明暗分界线很生硬，怎么让他处理的柔和又好看？然后梨子，其实它的固有色是很浅的，但是被我画出来暗部就脏脏的。不知道怎么样处理会更好看，更符合他原来的固有色。

4、最后一个问题就是：在美术教学当中我发现，无论是对于美术史、名画、名家、我的了解都是非常有限的，包括现代的一些画家及作品，我也了解的很有限。还有就是我对美的鉴赏能力，也是很有限的，有时候一些名画我真的get不到它的美在哪里。所以关于美术的审美与欣赏也非常需要提高，欣赏一副作品应该从哪些方面去看？鉴别一个当代画家作品优劣从哪些方面看？我自己也在看一些书，但这样的书太多了，我不会去甄别，请老师推荐相关书籍给我，希望比较系统的了解名人名家，提高美术鉴赏力。谢谢。

以下是这位同学自己在家里画的作品

要回答这位同学的问题，需要先把问题简化：
1、这个同学，陷入了逻辑的思考中，我先把其中的一些关键词提炼出来：固有色、反光、阴影、光源、冷光、、暖光、明暗分界线、明暗、立体感、美、美术鉴赏力。

不知道大家有没有发现，这些问题都是在讨论单个物体怎么画？而一幅画给人带来的感受，是整体而来，甚至还包含怎样的装裱，怎样的陈设，怎样的历史语境。通俗的解释就是，怎样的画框，放在什么地方展示等因素。这些因素都是影响一幅画给人带来怎样的美感。再看看莫兰迪的作品，几乎没有光影、体积，他只关注固有色在画面中的整体展示。而他的探索，可以说影响到了整个设计界。灰色间的微妙变化就是他追求美的目标。

最近我在读木心的《文学回忆录》，读木心《文学回忆录》—读书笔记：希腊神话中的那耳喀索斯，就是在湖面看自己倒影被迷住，想触碰倒影却不可得，最后静静的观看自己，最后在欢心愉悦中憔悴而死的哪位。维纳斯把他变成了水仙花。这水中的倒影就是艺术，是超自我的自我，艺术不能完全真实，不能实际占有，只可保持距离，两相观照；你要招惹它，它便消失了，你静着不动，它又显现了。艺术，哲学，宗教，都是人类的自恋。都在适当保持距离时，才有美的可能，真的可能，善的可能。如果你把宗教当哲学看对待，就有了距离，看清宗教究竟是什么；如果你把哲学当艺术对待，就有了距离，看清哲学究竟是什么；如果你把艺术当宗教看待，就有了距离，看清艺术究竟是什么。反之，将宗教作宗教来信，就迷惑了；将哲学作哲学来研究，就学究；将艺术作艺术来玩弄，就玩世不恭了，原因，就是太直接，是人的自我强求…

划重点：艺术不能完全真实，不能实际占有，只可保持距离……
怎么理解艺术不能完全真实，这句话呢？其实你画的对象的美，是停留在自己的脑海中，例如画苹果之前，你首先对苹果有美的感受了，才能画出这个苹果的美。真实的苹果是一个抛砖引玉的家伙。一幅画的美是你赋予美这个行为的结果。可以设想，莫兰迪在摆静物时，就已经在思考，这幅画的色彩搭配美与不美了。也就是说，他通过摆静物就在利用这些静物启动和刺激他大脑中，哪个可以认识美的区域。

绘画的过程，一定是从整体画面出发，如果非要加个过程。那就是在画画之前，先利用对象启动了美的认识，从画面构思整体出发。不仅仅考虑所画对象的单个物体怎么画，而是把背景也当成和物体同等重要的部分看待，特别是色彩，更应该如此。固有色应该首先被考虑进去，然后再考虑光影，其次体积，最后反光。这里解释下反光的定义，所谓反光：其实是画面中色彩（物体）与色彩（物体）之间的相互影响。如果前面的固有色、光影部分完成得不够好，可以暂时不考虑色彩与色彩的相互影响。反光和物体材质有关，材质越光滑，越类似镜面，相互影响越强烈。优先考虑反光的结果，会让画面太花，不够整体。画家，会根据画面色彩搭配美与不美的原则来画画，而不完全考虑观察的结果而是从情绪和感受出发。以下插画的绘画过程，可以略见一斑。

总结：这个学生陷入和对绘画技能的逻辑思考之中，是在用左脑画画。而放弃了，对美的感受和判断。技术固然重要，而自己才是美的裁判。所以，对于现代派的绘画作品要是真的感受不到它的美，也没有关系。假设一个极端环境，如果你是一个消防员或者是一个博物馆的管理人员，有一天这个博物馆燃火了，你会优先选择救下或转移哪些作品呢？其实就是你对美的判断。另外，一些现代艺术需要考虑作品创作的历史背景，缺乏这些知识无法理解其中的艺术语言也是正常的。

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