绘画教学不是教授个人技术，而是教学生用什么方法获取形式轮廓等。他人的握笔的方法不能解决你的主要问题。如果你对那些自称为“圣人下凡”的人感兴趣，那么它如何处理光下的形式和轮廓，才是你需要寻求的。信息来源的最好途径，便是生活本身，我们最好尽可能的通过模特儿或者相机来确保智能信息的正确，尽量还原真实，只有在没有任何办法的情况下，再去凭借自己的想象。

好的素描包括一些基本元素，否则很难成功。我相信这些元素是可以传授的，迄今为止，我还没有找到一本通过定义比例和透视关系从而研究明暗光影的教科书。由于这些元素是相互依存不可分割的，因此本书介绍的彼此之间的关系，以满足读者实际的需要。

对于那些已经了解了自然规律，具备一定眼力的人来说，最伟大的老师便是自然本身。如果一位艺术家具有了我们所说的基本能力，注入描绘空间中某一对象，驾驭了光下的某个物体的形式问题，那么他已经进入到了一个个人表达的平台。毕竟，这比其他都更有意义。

何为一张好素描？我们会联想到一些组成一张好素描的重要元素，这些要素指出了这门技艺的分支。我们所画的一切都是三维的，包含高度，宽度，厚度。这个三维空间的比率我们称之为比例。主体的各个部分彼此之间都有一定的比例，比如这些比例都是正确的，它们加在一起才会得到正确的维度。没有好的比例就不会有好的素描，因此我们将比例看着素描第一要素。

既然我们开始绘画以前事物就存在比例，那么我们要考虑的是画面如何布局了。如果把绘图纸视为开放空间，我们如何把物体放置其中？我们希望物体所放置的区域是最令人愉悦的，也是最有说服力的。我们通常仔细观察物体，选择一个视角。为了观察物体我们可能会放弃，通过取景器观察，获取物体的大小，远近位置的信息，我们称之为布局。

选择好视角，决定好了布局之后，我们就要开始做画了。此时，第三个要素——透视就产生了，透视是艺术家要学习的第一个主要问题。对于透视的理解应当是每个艺术培训学校的一部分，艺术家如果没有真正的理解透视和水平关系，那么所做的素描不能称之为素描，因为他是素描中最重要的一部分，所以这方面知识获取得越多越好。

假设我们已经获取了透视原理，那么接下来该怎么做呢？根据物体受光程度，我们把物体分成三个面，亮面，灰面，暗面，通过光的照射效果，我们看到一个立体的物体的形是物体受光最充分而直接的部分称为亮面，其次是物体受到光线侧面照射的地方，这个中间色的区域，即灰面。在这个中间色的后面还有一个区域，属于背光，我们称之为暗面。同时，在暗部里我们还会发现反光和投影，它们也同样构成物体的形态。

定了这些面之后还有一个素描要素，即样式。当我们处理好各种固定值的时候，我们便投入到画面色调中。样式是另一个组成部分。布局关系到线条的组成，样式则牵涉到色域的分布。

创造性在样式这里第一次得到发挥的机会，我们可以给对象安排一种样式，而不是如相机般的简单的全盘接受。在特定的有限空间里，大自然体现的样式有好有坏。每一张素描，都需要艺术家来解决空间布局和风格样式。

构图是一个抽象的元素，可传授的部分不多，不过构图似乎多少有点本能性，相对于别人告诉你的构图，大多数人更愿意按照自己的本能去构图。有点像是在用画面讲故事。

对于样式和构图，最好的方法是小速写，被称之为缩略图。在你对对象有感觉之前绘制3~5种风格的速写，再进入到实际绘画，素描的实质是设计，设计也是素描，两者相互依存。