画画你对着实物画的时候长时间下来会发现实物一直随着时间在变化，因为光和环境色的变化会呈现物质本身吸收光线的特性，而不变的是形体造型，在这个基础上，光源照射过来，离不开高光亮面灰面暗面反光投影，这种素描和色彩上的变化，就是自然规律的变化，你如果在相同环境下作画（例如对着拍下来的照片画）观察的入微，处理好渐变（素描关系色彩关系）那么你甚至可以将造型意识弱化，从一个画面角落按照自然规律的节奏变化去完成一副超写实的画。

上面说的不是一种作画手法，而是观察方法，这样去感受自然规律你会发现你现在哪里处理的不好需要改进，或者在你初学的时候迷茫不知所措的时候，它应该是相对权威的。当然你可以说抽象不需要这些，主观意识才是作画的灵魂，那看你怎么去理解绘画，如果再深一点说，每一块色彩都会对人有感知上的认识这个属于色彩心理学的范畴，再加上形似，抽象思维变会滋生更多的情愫，形成主观上个体的差异感受。

现在各种自媒体教学很多，在网上可以看到很多资料，还有各种机构招生还带毕业工作推荐。这个见仁见智看自己目的如何，但是自学资料绝对是够的了。剩下的是多画，千万不要怕画错，大神阮佳在几年后拿出自己的画还发现自己当时把空间关系都画返了呢。先不去说肌理笔刷如何如何，就单说画面主题，这一部分是属于设计范畴，你对生活的理解，这种能力不是你看看人体结构图就能画出来的。你可以去分析大神作品，或者那些培训机构的学员作品和自己的作品对比，是不是有大部分同学输在了“大虚实处理”和“题材设计”两个部分，为什么，因为它们抓住了画面视觉冲击的重点。大神一张完整作品也画到了一个月甚至几个月。自己是否可以考虑一下画一张完整的作品？从题材到最后刻画，一个月不行，两个月行不行，一年怎么样？到最后细节是一笔一笔画出来的时候，肌理，笔刷又算个啥，工具罢了。

我以前很想找到画面给人以共鸣的方法，后来我发现，只有经历上的遭遇感受差异，而画面就是单纯的画面本身。所以自己爽才是真的爽，我画画只取悦我自己，绝不和工作挂钩，谁也不能指点我的画面江山，这是我从喜欢画画到带入工作再到不作为职业后的感受，生活上有触动有灵感的时候才提笔，想画就画，想怎么画就怎么画